建筑摄影是最能玩光影，抽象，几何体的题材，这几幅局部建筑美到极致的摄影太有构图美了……

很多人第一次拍建筑，会本能地往后退，想把整栋楼完整塞进画面。可真正有意思的建筑照片，未必需要交代建筑全貌。有时候只取一段楼梯、一角幕墙、几扇窗，甚至只留下墙面与阴影，画面反而更干净，也更容易出现一种接近抽象绘画的视觉效果。
原因并不复杂。建筑天然带着摄影最喜欢的几种元素：直线、曲线、重复结构、规则表面，还有会随着太阳不断移动的阴影。现实中它是一座供人使用的建筑，进入取景框以后，却可以被拆成三角形、矩形、弧线和不同亮度的色块。拍摄者真正做的，是从现实空间里重新“裁”出一种秩序。
这也是局部建筑照片最迷人的地方。你甚至不必让观众一眼认出拍的是商场、写字楼还是博物馆。建筑的信息被减少以后，人的注意力自然会落到形状之间的关系上。两扇窗之间的间距，墙体转角形成的斜线，玻璃表面反射的一块天空，都可能成为画面的主角。
这时，构图首先看的已经不是“建筑漂不漂亮”，而是线条有没有方向。横线容易带来稳定感，竖线会强调高度，斜线则让静止的建筑产生运动趋势。尼康在摄影构图教学中也长期强调利用建筑、道路等现实线条引导观看方向。线本身并不高级，真正决定效果的是它从画面的什么位置出现，又把视线送到哪里。
比如一排窗户，从正面拍可能只是整齐；稍微向侧面移动后，窗户尺寸会逐渐缩小，重复关系立刻形成节奏。再换到楼下向上看，原来平行的边缘开始汇聚，建筑一下有了强烈的纵深感。同一栋楼，只移动几步，照片的气质可能完全不同。
建筑摄影里还有一个特别容易被低估的东西：空白。很多初学者总觉得画面空了就是“没拍到东西”，实际上大面积天空、素墙或者阴影都可以承担构图任务。一小块建筑配上一大片留白，往往比满画面都是门窗、栏杆和招牌更有力量，因为视觉重点已经被主动筛选出来。
光线更像是第二位设计师。建筑本身不会移动，但太阳一直在动。上午九点和下午四点，同一面墙可能完全不是一个样子。低角度阳光会把栏杆、窗框和屋檐的影子拉长，原本普通的立面突然多出一层几何结构。Adobe关于几何摄影的教学内容也把光影变化视为塑造形状的重要条件。
因此，拍建筑并不是只有日出和日落才值得出门。柔和光适合表现材质和整体层次，硬朗的正午阳光反而很适合拍抽象建筑。太阳越直接，亮面和暗面的分界可能越清楚。一道屋檐投下来的阴影，有时比建筑自身的装饰更加醒目。

再往前一步看，摄影师还可以故意把建筑“拍得不像建筑”。例如只保留墙面的一条斜边，把窗户压缩成几个黑色方块，再让天空占据大部分画面。观众先看到的是形式，几秒之后才意识到原来这是楼房的一角。这种先看形、再认物的过程，本身就是抽象摄影的一种乐趣。
焦段也会改变这种视觉关系。广角并不是单纯为了“装得更多”。摄影者靠近建筑时，广角会明显强化近大远小，让屋檐、走廊或者立柱产生夸张的延伸感。长焦正好相反，它更适合从远处截取建筑细节，把不同距离的墙面、窗户压到比较紧密的视觉层次里。
所以看到一栋建筑，不妨先别急着掏出超广角。站远一点，用中长焦观察窗户之间的重复关系，往往会发现另一种画面。那些肉眼看起来彼此隔得很开的元素，在照片里可能会叠成非常整齐的图案。这种空间压缩，也是建筑摄影获得平面感的重要方法。
透视问题同样值得注意。站在高楼下面仰拍，竖直线条向上收拢是正常的透视现象。尼康等厂商的建筑摄影资料中，会介绍移轴或者透视控制镜头来调整这类汇聚；后期软件也能修正部分倾斜。但并不是每张建筑照片都必须修得四平八稳。
如果目的是建筑记录，线条准确当然很重要；但如果重点是视觉表达，夸张透视有时反而更有意思。两面墙向天空快速收紧，可以形成一个巨大的箭头；圆形楼梯从下往上拍，又可能变成旋涡。所谓规则，并不是所有时候都要机械执行。
颜色也能参与构图。灰色混凝土旁边突然出现一面红墙，蓝色玻璃之间夹着一条黄色结构件，这些都不是简单的“颜色好看”，而是不同面积的色块在相互制衡。如果现场颜色太杂，黑白处理还能帮助画面重新回到线条、纹理和明暗上。
当然，黑白并不是拯救杂乱照片的万能办法。一张照片如果原本没有清楚的主体关系，去掉颜色以后往往只会变成一团灰。真正有效的黑白建筑照片，通常在拍摄时就已经有明确的亮暗层次，有些位置接近纯白，有些区域沉入深黑，中间再用灰度完成过渡。
建筑与抽象摄影的结合也有很长的历史。20世纪初，保罗·斯特兰德、查尔斯·希勒等摄影家就开始从城市建筑、机械和工业结构中寻找纯粹的形式关系。大都会艺术博物馆关于斯特兰德的资料，也提到他早期对摄影结构与抽象形式的探索。今天常见的极简建筑摄影，其实延续了这种观看方式。